CLASE Nº 24: Conferencia Marisa González

Marisa González nos abrió sus memorias.

Aunque nació en Bilbao, Marisa comenzó su relato en Madrid, donde se trasladó para estudiar Bellas Artes en la Real Academia de Bellas artes de San Fernando. Su experiencia allí se resume en una frase: “cuando salí de allí supe que era lo que no quería hacer”. Afirmó que en aquel lugar “castraban la creatividad”, puesto que les obligaban a imitar a los docentes, tanto su técnica como su temática.

Por esa razón, su siguiente parada fue el Art Institute de Chicago. Allí podría elegir y centrarse; empezó a experimentar con algo muy novedoso (por aquel entonces) que marcaría toda su obra: la primera impresora a color (Color in Color Machine de 3M).
Marisa empezó a comprender las máquinas; aprendió que no hay que pedirlas más de lo que pueden hacer; hay que partir de qué son limitadas (como sus creadores)

De esta forma comenzó a experimentar con el escáner y sus posibilidades. ¿Qué pasa si escaneas una foto y vuelves a escanear el resultado y así continuamente? ¿Y si luego coloreamos el resultado ¿y sí? … Una de las grandes habilidades de Marisa es saber aprovechar los medios.

Es importante destacar la importancia que dio la artista a los accidentes y a las casualidades. Aquello que puede parecer nocivo es también una gran oportunidad para inspirase -> SERENDIPIA¡!

Por ejemplo, Marisa desarrollo un proyecto, por el cual pretendía que el público a realizará su propio cuadro a través de composiciones con múltiples siluetas. Tras ver como el espectador (ahora creador) intervenía la pieza, se dio cuenta de que la obra era también un test psicológico.

 El trabajo de Marisa González sigue 3 constantes:
- Tecnología
-Conciencia social
- El reciclado
Además sus parámetros formales son:
-Ritmo
-Tiempo
-Espacio
-Metamorfosis
-Secuencia

De esta manera ha tratado la maternidad, ha denunciado la situación de la mujer (Ej. Con fotografías de mujeres corrientes tomadas después de haberles concienciado), su papel en la sociedad (Manos de mujer, Ellas Filipinas…), ha aprovechado una fábrica de muñecos como metáfora de la sociedad, ha tratado las deformaciones de las frutas desde un punto de vista erótico (Ej. Son usadas para imitar órganos sexuales) …

Más información sobre sus obras en su página web: http://www.marisagonzalez.com/home.htm 

Por otro lado nos recordó la importancia de tener contactos para acceder a puntos aparentemente inalcanzables.

Observando la evolución de la Marisa González se advierte que ha sido superada por las nuevas tecnologías, pues ya no es la pionera que fue, sino que trabaja como artista social o experimenta con conceptos a través de la fotografía.

Por último, GRACIAS Marisa por compartir esta experiencia con nosotros!!!

CLASE Nº 23: El libro de color

El libro de color es un cuento lleno de coloridos, en particular, de todos los coloridos posibles mediante la combinación de los “seis colores paradigmáticos” (rojo-naranja-amarillo-verde-azul-violeta) que establece Tomás Asensio en su libro: “Coloridos esenciales”.

Mi libro: SERENDIPIA habla acerca de las relaciones humanas a través de 6 roles “paradigmáticos” unidos a un color y a una forma determinada.

A través de estos estereotipos se afirma que la vida es una locura llena de contrastes donde lo bueno y lo malo no es absoluto pero tampoco es relativo. El libro toca también el tema del carácter y la personalidad: ¿Nacemos con un carácter determinado? ¿Podemos cambiarlo? Además trata sobre la impermanencia permanente (todo cambia y permanece a la vez), la sociable insociabilidad, de los sistemas de organización social (a grandes rasgos), de la relación arte-ciencia, de que somos un todo formado por partes que se relacionan y cambian…

Pero no diré más. Quiero que el lector lo descubra por sí mismo (si es que me he expresado bien y me entiende) o si no, que le de su propia interpretación y descubra aquello que desee descubrir. Digo esto, porque he intentado que el libro sea misterioso y un tanto inexplicable a primera vista. Pues justamente creo que ese enigma será (junto con la estética) lo que atrape al lector.

Ejemplo de ello, es el título: SERENDIPIA; una palabra poco conocida y por eso mismo de significado misterioso, que es doblemente oportuna, porque no solo hace referencia un proceso de creación donde se ha dejado espacio al accidente, sino también a los frutos de las relaciones.

Pero, ¿Qué es?

Una serendipia es un descubrimiento o un hallazgo afortunado e inesperado que se produce cuando se está buscando otra cosa distinta. En términos más generales se puede denominar así también a la casualidad, coincidencia o accidente.

Otro punto significativo en el libro es el uso por igual de lo abstracto y lo figurativo. Por un lado, las imágenes abstractas eran un buen recurso, pues muchas veces son secretos que hay que descifrar; y por otro, era para mí, ya, una necesidad realizar pintura abstracta.

Haciendo una valoración general del libro, he observado que he ido creando un lenguaje propio a partir de los personajes y sus relaciones no solo en cuanto abstracto sino también en relación a lo figurativo.

Video del Libro de Color (a grandes rasgos). Pido perdón por el video, lo hice tarde y mal.

Por último, comentar que dedicamos la clase calificar, pero sobre todo, a ver los libros de color de nuestros compañeros. Fue inspirador, por ello cuando volvamos a tener los libros en nuestro poder, pediré un par de ellos.

CLASE Nº 22: 100 artistas o práctica para terminar LIBRO DE COLOR

Aunque para esta clase estaba prevista la conferencia de Maribel Peralta (directora de arte), se ha suspendido debido a que se ha puesto enferma. Sin embargo, gracias a este incidente Mª Jesús tuvo la idea de contactar con Marisa González, una de las artistas más destacadas del panorama español e internacional, para solicitar una conferencia.

Marisa aceptó y el próximo martes día 1 nos dará una conferencia sobre su trayectoria artística.

¿Quién es Marisa González?

Marisa González es una de las artistas pioneras en la aplicación de las nuevas tecnologías de la reproducción y la comunicación en la creación artística. 

Licenciada en Música en el Conservatorio de Bilbao, en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid 1971, Master en el Art Institute de Chicago en el Departamento de Sistemas Generativos 1973 y B.F.A. en la Corcoran School of Art, Washington D.C. 1976.
Toda su trayectoria artística está marcada por la relación sistemática con las tecnologías en continuo cambio de la sociedad contemporánea.
Desde sus primeros trabajos con fotocopiadoras a principios de los 70 posteriormente con faxes, y después con ordenadores y vídeo.
En la simbiosis entre el arte y la tecnología, y teniendo como método el ensamblaje de diferentes técnicas, Marisa González ha generado un nuevo lenguaje codificado por ella misma.
La reproducción de las imágenes, y del fragmento y su repetición o generación de la forma como valores emblemáticos de lo contemporáneo, están presente en todo su trabajo.

Fuente, su página web: http://www.marisagonzalez.com/home.htm

Autorretrato Lumena, 1986
(primer trabajo digital)

Por otro lado, la clase que en un principio estaría dedicada a ver y comentar la película “The Pillow Book” dirigida por Peter Greenaway; estuvo destinada a la presentación de los 100 mejores artistas según Mª Jesús o a continuar pintando el libro de color.

En mi caso, continúe trabajando en el libro de color. Aunque esto no impidió que escuchara la exposición de Mª Jesús, que continuó transformando, o mejor dicho, liando mis pensamientos en lo referente al arte, y por lo tanto en lo que se refiere un poco a todo (por qué no).

Algunas de las ideas más chocantes fueron las relativas a los performances:

Por ejemplo, un artista que pago a indigentes para que se masturbasen en su propia exposición, como protesta contra los trabajos indecentes y con sueldos de miseria que se dan en muchas regiones del mundo. De esta manera monto un escándalo que parece no montarse por la otra realidad.

O la performance que llevo a cabo Marina Abramovic con su exnovio (Ulay):

CLASE Nº 21: LUZ Y SOMBRA + TAMAÑO, FORMATO Y MARCO

Autores que usan la luz y la sombra de manera característica:

Rafael Lozano-Hemmer, artista electrónico que trabaja con ideas de la arquitectura, teatro tecnológico y performance. Vive y trabaja en Montreal y Madrid. Trabaja con proyecciones de luces y sombras.

Ej. En “Body Movies” Hemmer transformó espacios públicos con proyecciones interactivas, que median entre 400 y 1800 metros cuadrados, llenas de fotografías tomadas previamente en la ciudad donde se exponía la obra. Lo interesante es que estas solo aprecian cuanto el público pasaba cerca de la obra causando sombras proyectadas que llegaban a alcanzar los 20 metros de alto.

Más información en: http://www.lozano-hemmer.com/videos/artwork/bodymovies_rotterdam.mp4

 Simon Norfolk, que apoya con el uso de la luz su discurso sobre nacimiento y el declive de las civilizaciones.

 Expone el fin de una civilización apoyándose en la luz dorada de atardecer (se acaba el día)

Roman Vitali, que ha trabajado con fluorescentes.

Makoto Tojiki, artista japonés que en "No Shadow" explora la luz y la sombra creando instalaciones y  esculturas figurativas y cinéticas. Utiliza para ello hilos de LEDs.

Libros recomendados sobre el tema:

Breve historia de la sombra (2006) de Victor I. Stoichita.

El ojo y la sombra, una mirada al retrato de occidente de Gustavo Gil.

Tamaño, formato y marco

Tamaño: dimensiones físicas de la imagen visual.

Según la RAE: 3. m. Mayor o menor volumen o dimensión de algo.

Cristina Iglesias, instalación suspendida en el aire.

Explosión 'Metonimia' Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía

Más información: http://cristinaiglesias.com/

Es importantísimo tenerlo en cuenta porque:

1.       Determinará (en parte) el impacto psicológico que producirá la obra en el espectador.

Tamaño grande-> dará notoriedad social.

Christo y Jeanne-Claude: Envuelven con telas bosques islas y grandes monumentos àQUIEN CUBRE DESCUBRE

Más información: http://christojeanneclaude.net/

Tamaño pequeño-> hará que la obra sea concebida más como joya o maqueta que como obra de arte.

2.       Estará supeditado por el material (al que habrá que adaptarse).

Ejemplo de Isamu Noguchi (1904-1988)

“Young Mountain” realizado sobre granito en 1970. Tamaño: 34 x 44.8 x 33.7 cm

Formato, forma de la imagen.

Formatos tiene nombre según el tipo

AES+F

Marco: lo que separa la obra del resto del mundo

Cristina García Rodero

Norberto González

Protocolo para construir y analizar una imagen:

1º. Características físicas:

·         Material

·         Imagen fija o cinética.

·         Imagen bidimensional o tridimensional,

·         Tamaño

·         Formato

·         Marco

2º. Análisis formal:

·         Composición

·         Forma

·         Color

·         Textura

·         Nivel de iconicidad

·         Etc.

3º. Análisis desde el punto de vista retórico (simbología)

Por otro lado se habló del efecto Kuleshov: fenómeno del montaje cinematográfico demostrado por el cineasta ruso Lev Kuleshov durante los años veinte.

Kuleshov mostró frente a una audiencia una secuencia en la que se intercalaba la misma toma del actor Iván Mozzhujin con las de un plato de sopa, un ataúd y una niña jugando. La audiencia percibió que la expresión de Mozzhujin cambiaba en cada secuencia, con lo cual se comprobó que el montaje tiene una gran influencia en la comprensión semántica de lo que aparece en una escena.

Fuente: https://es.wikipedia.org/wiki/Efecto_Kuleshov

Con ello se demuestra que la emoción de un rostro serio se percibe en función de la emoción que en ese instante posea el receptor.

CLASE Nº 20: Práctica de luz y sombra (FOTOGRAFÍA).

El objetivo de la clase fue conocer las posibilidades que ofrecen las luces y las sombras aplicadas a la fotografía; creando así efectos místicos, impensables, bellos, grotescos, etc.

Para ello se necesitó un entorno oscuro (plato de iluminación de la URJC), un trípode, una cámara réflex (modo manual: Bulb + F8.0) y linternas, luces de navidad, celofán de colores, telas negras, etc. (para crear los efectos).

RESULTADOS

EXPOSICIÓN Nº 6: EJEM! TREE

Desde el 14 hasta el 16 de noviembre se expondrá en la Galería Liebre (Doctor Fourquet, 30) la obra de: Ana Balboa, Marta Linaza y Javier Mañero surgida durante la investigación docente titulada “Conversaciones con el Paisaje”.

Las obras que se disponen en la muestra fueron creadas en torno a la figura de árbol como eje del mundo, pues de acuerdo con María Jesús Abad Tejerina:

“Sus raíces, sus hojas y sus ramas son símbolos recurrentes para muchos artistas que, a lo largo de la historia, han hecho uso de la naturaleza para transmitir mensajes psicológicos, sociales y antropológicos. El árbol es, por tanto, un recurso veterano (y constante) en la construcción de imágenes. Unido a la tierra, puede participar de todos los elementos, tierra, fuego, agua y aire, y, en esta exposición, el visitante se sumergirá en la contemplación del árbol como eje del mundo.”

Fuente: http://galerialiebre.es/galeria-arte-contemporaneo/agenda-exposiciones/

Para mí, la exposición fue un pequeño baúl con tesoros admirables solo para algunos; y ...

Entré. Vi los pequeños “árboles” de bronce y de colores dorados, verdes y plateados de Ana Balboa; no preste atención a sus formas (había demasiada gente), aunque eran para observar. Eran de apariencia delicadas, bellas y únicas, y evocaban a lo divino; recordaban a los árboles pero no lo eran, eran valiosas joyas. Pero, ¿cuál es el porqué de su tamaño tan reducido? ¿Quizás la artista quiso que observásemos sus árboles desde otro punto de vista, para que los viésemos como las joyas de la humanidad? O simplemente son maquetas.

Según se ha estudiado en Análisis de la forma (…), “el tamaño importa”. Los tamaños pequeños no suelen sentar bien a las esculturas, ya que las hace más de abalorio que de obra de arte. Me hubiera gustado contemplar las esculturas a otra escala.

Fuente: https://www.facebook.com/estudiogalerialiebre/photos/

Tras esta minúscula pausa, contemple la obra de Marta linaza, aún más delicada que la anterior. Eran carboncillos clavados en algodón, por un lado; y por otro una piedra (blanca con forma de nube) insertada sobre un trozo de madera con forma de tronco. Obras, para mí, inspiradoras de metáforas: el árbol chamuscado de copa de algodón o el árbol con una nube por copa.

Fotografía de: https://susanagamezgonzalez.wordpress.com/ 

En tercer lugar, encontré este cuadro:

¿Las ramas de un cerezo a contraluz?

De textura fascinante

Realmente me gustó.

Por último, contemple la obra de Javier Mañero:

Los huecos interminables que dejan los árboles en el propio árbol.

En conclusión: pequeña, amable y curiosa…EJEM! TREE.

Luego entré en otros mudos ...

CLASE Nº 19: LUZ Y SOMBRA

LUZ

Relacionado con lo divino, lo sagrado e inalcanzable; con la vida (dar a luz ->alumbrar, abortar, procrear, engendrar)

Control de la luz (1ºà FUEGO) significo vencer a la noche.

La luz nos aporta multitud de datos, es una fuente de reflexión. Fuentes de luz:

Natural, nos indica:

-       Hora. A grandes rasgos:

-       Día.

-       Lugar. Ej. Según temperatura de la luz:

Holanda, luz fría (del agua).

Turquía, luz dorada (calida)

-       Tiempo.

Artificial, permanente (con focos) o intermitente (con flash o linternas).

Autor paradigmático: Eugenio Recuenco. Ha realizado numerosos spots publicitarios de alcance mundial.

 "My Secret  L´eau" de Eugenio Recuenco para NINA

En lo que se refiere a la fotografía, suele trabajar en un cubículo con una ventana. Busca lo más bello de cada modelo, como ya hizo Alberti en el renacimiento.

Entrevista a EUGENIO RECUENCO  por TVE ( 17 OCTUBRE 2012 )

Más información:

Su página: http://www.eugeniorecuenco.com/images_021.html

Biografía: http://www.cadadiaunfotografo.com/2011/05/eugenio-recuenco.html

SOMBRA

En Occidente las sombras se usan de manera significativa (para dar un suelo a los objetos), mientras que en Oriente no.

-       Sombra (igual que luz) ayuda a ver la textura.

-       Sombra (y luce) que ocultan objetos, animales, personas …

A finales del siglo XIX, durante el desarrollo del impresionismo muchos artistas comenzaron a trabajar directamente en el exterior fomentando una mejor comprensión de las luces y las sombras.Además empezaron a interpretar sensaciones abriendo paso a diferentes movimientos durante el s. XX.

Autor paradigmático:
Francis Bacon (1909-1992): "Quisiera que mis pinturas se vieran como si un ser humano hubiera pasado por ellas, como un caracol, dejando un rastro de la presencia humana y un trazo de eventos pasados, como el caracol que deja su baba"

Bacon trabajaba por la noche en un ambiente de ebriedad y tormento.

Por otra parte, se habló sobre el arte y el artista. Algunas ideas planteadas fueron:

-     Durante un tiempo se ha invertido más en continente (conjunto arquitectónico que forma el museo) que en contenido (obras que guarda).

-     En arte no hay verdades absolutas.

-     Pasos que debe seguir un artista:

1.    Artistas pre-emergente (becas y estancias)

2.    Artista reconocido

3.    Artista consolidado

4.    Subastas

-     Es importante no saltarse ninguno, pues un artista no debe bajar el precio. Si lo hace sus comparadores se sentirían engañados, desconfiaran y no volverán a comparar.

-     Hechoà No hay suficiente educación visual. En España se apoyan las ciencias frete a las artes.

-     ¿Quién establece quién es, o no, artista? Los profesionales en el arte y el contexto histórico. De esta forma desechamos a los críticos, coleccionistas o gente común.

-     El artista debe representar a su época, dando un paso hacia delante.

CLASE Nº 18: La Forma II

Según la RAE:

1. f. Configuración externa de algo.

Además se puede afirmar que la forma es el límite entre el cuerpo y el espacio, aquello que adoptan los cuerpos para ajustarse a sus necesidades y que por lo tanto cambia según las mismas.

Se distinguen dos tipos de formas combinables: las formas curvas y las rectas.

En el libro: Planilandia (Flatland: A Romance of Many Dimensions), escrito por Edwin Abbott Abbott resulta útil para estudiar el concepto de cómo se perciben las formas en sus múltiples dimensiones. A su vez Planilandia ejerce como sátira de la jerarquía social de la época victoriana.

Por otro lado, cualquier objeto es el mismo frente al universo.

En este contexto Mº Jesús nos presenta a Jerónimo Elespe, artista que trabaja sobre reducidos óleos, pintados sobre paneles de aluminio, evocando tanto la pintura clásica como diferentes ramas del modernismo y la pintura contemporánea, en un continuo intercambio de lenguajes y referencias. En ellos representa escenas autobiográficas, paisajes, interiores, retratos y escenas nocturnas abstractas, pintados de la memoria y la imaginación.

The Lag, 2012

Óleo sobre aluminio

40 x 25 cm

Formas básicas, su significado y autores que las trabajan

Algunas de las formas básicas son:

Esfera

Es simétrica por todas sus partes y se forma cuando todas las fuerzas del medio (entorno) ejercen la misma presión (fuerza) sobre el objeto.

Significadoà forma intima que protege y aguarda.

Autor: Pol Bury (1922-2005) pintor y escultor Belga. De entre sus obras destacan sus fuentes hidráulicas realizadas mediante esferas, triángulos, copas… en acero inoxidable..

Sus fuentes muestran orden y provocan desconcierto al mismo tiempo. Emiten inquietud y al tiempo gran serenidad.

Página web: http://polbury.com/sculptures.html

Ondasà comunican. Algunos animales se mueven de forma ondulante.

Ángulosà enganchan, agarran y sujetan (concentrando la fuerza en un extremo a modo de ancla).

Hexágonoà son esferas sometidas a presión. Pavimentan.

Fractal, las partes y el todo tienden a parecerse. De significado intimo porque tienden a llenar e espacio de manera continuada, sin interrupción.

Parábola, concentra y aguanta à se utiliza para la creación de puentes.

Héliceàagarra.

Espiral, línea curva que describe varias vueltas alrededor de un punto, alejándose cada vez más de él.

Cuando las formas crecen sin suficiente espacio se repliegan sobre sí mismas creando espirales.

Autor: Martín Chirino, que parte de la espiral como pregunta que se va alargando en la incertidumbre del hombre. Además Chirino fija su atención en los movimientos que realiza la naturaleza, sobre todo los ritmos del viento. Más información: http://www.martinchirino.com/

Otros artistas que han trabajado prestando especial atención a las formas son:

Alfaro (19929-2012) escultor español.

Gordon Matta-Clark, artista y arquitecto estadounidense que exploró diferentes modos de intervención arquitectónica. Se le reconoce principalmente por sus «building cuts» o «cortes de edificios».

Orlan: conocida por su trabajo en el campo del arte corporal (body art). Ella es su propio lienzo. http://www.orlan.eu/

Nicola Constantino, en cuyas obras la estética se relaciona con el conflicto ético que plantea el trabajo. Ej. Ha realizado, ropa, bolsos, etc. con pezones de personas (realizados con silicona). http://www.nicolacostantino.com.ar/

Anna Laura Alaéz, entre cutas obras destacan las recreaciones de partes del cuerpo en hierro. http://analauraalaez.com/wordpress/

CULITO

LENGUITA

Yayoi Kusama (22 de marzo de 1929, 86 años) Ha experimentado alucinaciones y pensamientos severamente obsesivos con tendencias suicidas desde pequeña, que no le dejan existir y contra los que lucha a través de un arte caracterizado por: la psicodelia, los patrones y la repetición (sobre todo de esferas).

Walther de María, quien trabaja con fractales. Ej. Tormentas eléctricas.

Algunos artistas comentados en clase de los cuales me queda pendiente su investigación son: Lucio Fontana, Andy Goldsworthy, Jorge Mayeh y Jahona Vasconcelos.

Finalmente, dibujamos el hueco que dejan las formas. En mi caso la forma de un frasco con pinceles.