CLASE Nº 21: LUZ Y SOMBRA + TAMAÑO, FORMATO Y MARCO

Autores que usan la luz y la sombra de manera característica:

Rafael Lozano-Hemmer, artista electrónico que trabaja con ideas de la arquitectura, teatro tecnológico y performance. Vive y trabaja en Montreal y Madrid. Trabaja con proyecciones de luces y sombras.

Ej. En “Body Movies” Hemmer transformó espacios públicos con proyecciones interactivas, que median entre 400 y 1800 metros cuadrados, llenas de fotografías tomadas previamente en la ciudad donde se exponía la obra. Lo interesante es que estas solo aprecian cuanto el público pasaba cerca de la obra causando sombras proyectadas que llegaban a alcanzar los 20 metros de alto.

Más información en: http://www.lozano-hemmer.com/videos/artwork/bodymovies_rotterdam.mp4

 Simon Norfolk, que apoya con el uso de la luz su discurso sobre nacimiento y el declive de las civilizaciones.

 Expone el fin de una civilización apoyándose en la luz dorada de atardecer (se acaba el día)

Roman Vitali, que ha trabajado con fluorescentes.

Makoto Tojiki, artista japonés que en "No Shadow" explora la luz y la sombra creando instalaciones y  esculturas figurativas y cinéticas. Utiliza para ello hilos de LEDs.

Libros recomendados sobre el tema:

Breve historia de la sombra (2006) de Victor I. Stoichita.

El ojo y la sombra, una mirada al retrato de occidente de Gustavo Gil.

Tamaño, formato y marco

Tamaño: dimensiones físicas de la imagen visual.

Según la RAE: 3. m. Mayor o menor volumen o dimensión de algo.

Cristina Iglesias, instalación suspendida en el aire.

Explosión 'Metonimia' Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía

Más información: http://cristinaiglesias.com/

Es importantísimo tenerlo en cuenta porque:

1.       Determinará (en parte) el impacto psicológico que producirá la obra en el espectador.

Tamaño grande-> dará notoriedad social.

Christo y Jeanne-Claude: Envuelven con telas bosques islas y grandes monumentos àQUIEN CUBRE DESCUBRE

Más información: http://christojeanneclaude.net/

Tamaño pequeño-> hará que la obra sea concebida más como joya o maqueta que como obra de arte.

2.       Estará supeditado por el material (al que habrá que adaptarse).

Ejemplo de Isamu Noguchi (1904-1988)

“Young Mountain” realizado sobre granito en 1970. Tamaño: 34 x 44.8 x 33.7 cm

Formato, forma de la imagen.

Formatos tiene nombre según el tipo

AES+F

Marco: lo que separa la obra del resto del mundo

Cristina García Rodero

Norberto González

Protocolo para construir y analizar una imagen:

1º. Características físicas:

·         Material

·         Imagen fija o cinética.

·         Imagen bidimensional o tridimensional,

·         Tamaño

·         Formato

·         Marco

2º. Análisis formal:

·         Composición

·         Forma

·         Color

·         Textura

·         Nivel de iconicidad

·         Etc.

3º. Análisis desde el punto de vista retórico (simbología)

Por otro lado se habló del efecto Kuleshov: fenómeno del montaje cinematográfico demostrado por el cineasta ruso Lev Kuleshov durante los años veinte.

Kuleshov mostró frente a una audiencia una secuencia en la que se intercalaba la misma toma del actor Iván Mozzhujin con las de un plato de sopa, un ataúd y una niña jugando. La audiencia percibió que la expresión de Mozzhujin cambiaba en cada secuencia, con lo cual se comprobó que el montaje tiene una gran influencia en la comprensión semántica de lo que aparece en una escena.

Fuente: https://es.wikipedia.org/wiki/Efecto_Kuleshov

Con ello se demuestra que la emoción de un rostro serio se percibe en función de la emoción que en ese instante posea el receptor.

CLASE Nº 20: Práctica de luz y sombra (FOTOGRAFÍA).

El objetivo de la clase fue conocer las posibilidades que ofrecen las luces y las sombras aplicadas a la fotografía; creando así efectos místicos, impensables, bellos, grotescos, etc.

Para ello se necesitó un entorno oscuro (plato de iluminación de la URJC), un trípode, una cámara réflex (modo manual: Bulb + F8.0) y linternas, luces de navidad, celofán de colores, telas negras, etc. (para crear los efectos).

RESULTADOS

EXPOSICIÓN Nº 6: EJEM! TREE

Desde el 14 hasta el 16 de noviembre se expondrá en la Galería Liebre (Doctor Fourquet, 30) la obra de: Ana Balboa, Marta Linaza y Javier Mañero surgida durante la investigación docente titulada “Conversaciones con el Paisaje”.

Las obras que se disponen en la muestra fueron creadas en torno a la figura de árbol como eje del mundo, pues de acuerdo con María Jesús Abad Tejerina:

“Sus raíces, sus hojas y sus ramas son símbolos recurrentes para muchos artistas que, a lo largo de la historia, han hecho uso de la naturaleza para transmitir mensajes psicológicos, sociales y antropológicos. El árbol es, por tanto, un recurso veterano (y constante) en la construcción de imágenes. Unido a la tierra, puede participar de todos los elementos, tierra, fuego, agua y aire, y, en esta exposición, el visitante se sumergirá en la contemplación del árbol como eje del mundo.”

Fuente: http://galerialiebre.es/galeria-arte-contemporaneo/agenda-exposiciones/

Para mí, la exposición fue un pequeño baúl con tesoros admirables solo para algunos; y ...

Entré. Vi los pequeños “árboles” de bronce y de colores dorados, verdes y plateados de Ana Balboa; no preste atención a sus formas (había demasiada gente), aunque eran para observar. Eran de apariencia delicadas, bellas y únicas, y evocaban a lo divino; recordaban a los árboles pero no lo eran, eran valiosas joyas. Pero, ¿cuál es el porqué de su tamaño tan reducido? ¿Quizás la artista quiso que observásemos sus árboles desde otro punto de vista, para que los viésemos como las joyas de la humanidad? O simplemente son maquetas.

Según se ha estudiado en Análisis de la forma (…), “el tamaño importa”. Los tamaños pequeños no suelen sentar bien a las esculturas, ya que las hace más de abalorio que de obra de arte. Me hubiera gustado contemplar las esculturas a otra escala.

Fuente: https://www.facebook.com/estudiogalerialiebre/photos/

Tras esta minúscula pausa, contemple la obra de Marta linaza, aún más delicada que la anterior. Eran carboncillos clavados en algodón, por un lado; y por otro una piedra (blanca con forma de nube) insertada sobre un trozo de madera con forma de tronco. Obras, para mí, inspiradoras de metáforas: el árbol chamuscado de copa de algodón o el árbol con una nube por copa.

Fotografía de: https://susanagamezgonzalez.wordpress.com/ 

En tercer lugar, encontré este cuadro:

¿Las ramas de un cerezo a contraluz?

De textura fascinante

Realmente me gustó.

Por último, contemple la obra de Javier Mañero:

Los huecos interminables que dejan los árboles en el propio árbol.

En conclusión: pequeña, amable y curiosa…EJEM! TREE.

Luego entré en otros mudos ...

CLASE Nº 19: LUZ Y SOMBRA

LUZ

Relacionado con lo divino, lo sagrado e inalcanzable; con la vida (dar a luz ->alumbrar, abortar, procrear, engendrar)

Control de la luz (1ºà FUEGO) significo vencer a la noche.

La luz nos aporta multitud de datos, es una fuente de reflexión. Fuentes de luz:

Natural, nos indica:

-       Hora. A grandes rasgos:

-       Día.

-       Lugar. Ej. Según temperatura de la luz:

Holanda, luz fría (del agua).

Turquía, luz dorada (calida)

-       Tiempo.

Artificial, permanente (con focos) o intermitente (con flash o linternas).

Autor paradigmático: Eugenio Recuenco. Ha realizado numerosos spots publicitarios de alcance mundial.

 "My Secret  L´eau" de Eugenio Recuenco para NINA

En lo que se refiere a la fotografía, suele trabajar en un cubículo con una ventana. Busca lo más bello de cada modelo, como ya hizo Alberti en el renacimiento.

Entrevista a EUGENIO RECUENCO  por TVE ( 17 OCTUBRE 2012 )

Más información:

Su página: http://www.eugeniorecuenco.com/images_021.html

Biografía: http://www.cadadiaunfotografo.com/2011/05/eugenio-recuenco.html

SOMBRA

En Occidente las sombras se usan de manera significativa (para dar un suelo a los objetos), mientras que en Oriente no.

-       Sombra (igual que luz) ayuda a ver la textura.

-       Sombra (y luce) que ocultan objetos, animales, personas …

A finales del siglo XIX, durante el desarrollo del impresionismo muchos artistas comenzaron a trabajar directamente en el exterior fomentando una mejor comprensión de las luces y las sombras.Además empezaron a interpretar sensaciones abriendo paso a diferentes movimientos durante el s. XX.

Autor paradigmático:
Francis Bacon (1909-1992): "Quisiera que mis pinturas se vieran como si un ser humano hubiera pasado por ellas, como un caracol, dejando un rastro de la presencia humana y un trazo de eventos pasados, como el caracol que deja su baba"

Bacon trabajaba por la noche en un ambiente de ebriedad y tormento.

Por otra parte, se habló sobre el arte y el artista. Algunas ideas planteadas fueron:

-     Durante un tiempo se ha invertido más en continente (conjunto arquitectónico que forma el museo) que en contenido (obras que guarda).

-     En arte no hay verdades absolutas.

-     Pasos que debe seguir un artista:

1.    Artistas pre-emergente (becas y estancias)

2.    Artista reconocido

3.    Artista consolidado

4.    Subastas

-     Es importante no saltarse ninguno, pues un artista no debe bajar el precio. Si lo hace sus comparadores se sentirían engañados, desconfiaran y no volverán a comparar.

-     Hechoà No hay suficiente educación visual. En España se apoyan las ciencias frete a las artes.

-     ¿Quién establece quién es, o no, artista? Los profesionales en el arte y el contexto histórico. De esta forma desechamos a los críticos, coleccionistas o gente común.

-     El artista debe representar a su época, dando un paso hacia delante.

CLASE Nº 18: La Forma II

Según la RAE:

1. f. Configuración externa de algo.

Además se puede afirmar que la forma es el límite entre el cuerpo y el espacio, aquello que adoptan los cuerpos para ajustarse a sus necesidades y que por lo tanto cambia según las mismas.

Se distinguen dos tipos de formas combinables: las formas curvas y las rectas.

En el libro: Planilandia (Flatland: A Romance of Many Dimensions), escrito por Edwin Abbott Abbott resulta útil para estudiar el concepto de cómo se perciben las formas en sus múltiples dimensiones. A su vez Planilandia ejerce como sátira de la jerarquía social de la época victoriana.

Por otro lado, cualquier objeto es el mismo frente al universo.

En este contexto Mº Jesús nos presenta a Jerónimo Elespe, artista que trabaja sobre reducidos óleos, pintados sobre paneles de aluminio, evocando tanto la pintura clásica como diferentes ramas del modernismo y la pintura contemporánea, en un continuo intercambio de lenguajes y referencias. En ellos representa escenas autobiográficas, paisajes, interiores, retratos y escenas nocturnas abstractas, pintados de la memoria y la imaginación.

The Lag, 2012

Óleo sobre aluminio

40 x 25 cm

Formas básicas, su significado y autores que las trabajan

Algunas de las formas básicas son:

Esfera

Es simétrica por todas sus partes y se forma cuando todas las fuerzas del medio (entorno) ejercen la misma presión (fuerza) sobre el objeto.

Significadoà forma intima que protege y aguarda.

Autor: Pol Bury (1922-2005) pintor y escultor Belga. De entre sus obras destacan sus fuentes hidráulicas realizadas mediante esferas, triángulos, copas… en acero inoxidable..

Sus fuentes muestran orden y provocan desconcierto al mismo tiempo. Emiten inquietud y al tiempo gran serenidad.

Página web: http://polbury.com/sculptures.html

Ondasà comunican. Algunos animales se mueven de forma ondulante.

Ángulosà enganchan, agarran y sujetan (concentrando la fuerza en un extremo a modo de ancla).

Hexágonoà son esferas sometidas a presión. Pavimentan.

Fractal, las partes y el todo tienden a parecerse. De significado intimo porque tienden a llenar e espacio de manera continuada, sin interrupción.

Parábola, concentra y aguanta à se utiliza para la creación de puentes.

Héliceàagarra.

Espiral, línea curva que describe varias vueltas alrededor de un punto, alejándose cada vez más de él.

Cuando las formas crecen sin suficiente espacio se repliegan sobre sí mismas creando espirales.

Autor: Martín Chirino, que parte de la espiral como pregunta que se va alargando en la incertidumbre del hombre. Además Chirino fija su atención en los movimientos que realiza la naturaleza, sobre todo los ritmos del viento. Más información: http://www.martinchirino.com/

Otros artistas que han trabajado prestando especial atención a las formas son:

Alfaro (19929-2012) escultor español.

Gordon Matta-Clark, artista y arquitecto estadounidense que exploró diferentes modos de intervención arquitectónica. Se le reconoce principalmente por sus «building cuts» o «cortes de edificios».

Orlan: conocida por su trabajo en el campo del arte corporal (body art). Ella es su propio lienzo. http://www.orlan.eu/

Nicola Constantino, en cuyas obras la estética se relaciona con el conflicto ético que plantea el trabajo. Ej. Ha realizado, ropa, bolsos, etc. con pezones de personas (realizados con silicona). http://www.nicolacostantino.com.ar/

Anna Laura Alaéz, entre cutas obras destacan las recreaciones de partes del cuerpo en hierro. http://analauraalaez.com/wordpress/

CULITO

LENGUITA

Yayoi Kusama (22 de marzo de 1929, 86 años) Ha experimentado alucinaciones y pensamientos severamente obsesivos con tendencias suicidas desde pequeña, que no le dejan existir y contra los que lucha a través de un arte caracterizado por: la psicodelia, los patrones y la repetición (sobre todo de esferas).

Walther de María, quien trabaja con fractales. Ej. Tormentas eléctricas.

Algunos artistas comentados en clase de los cuales me queda pendiente su investigación son: Lucio Fontana, Andy Goldsworthy, Jorge Mayeh y Jahona Vasconcelos.

Finalmente, dibujamos el hueco que dejan las formas. En mi caso la forma de un frasco con pinceles.

CLASE Nº 17: 2ª parte EXAMEN práctico

Durante esta clase debíamos terminar el trabajo grupal empezado en la clase anterior.

Esta vez teníamos poco tiempo, y por lo tanto la necesidad de elegir ya un proyecto y ponernos en marcha. Hoy el modo de trabajo fue mucho más fluido, habíamos aprendido.

Partiendo de la idea de un puzzle que uniera color, luz y textura; realizamos tres cubos (cada uno con una herramienta visual expresada en cuatro de sus 6 caras).Luego María añadió un cuarto cubo donde se situarían diversas formas de percibir a través de la vista, el gusto, el olfato o la imaginación; plasmadas con diversas composiciones. Finalmente unimos los cubos mediante un palo de madera, para que estos se pudieran girar y no solo dieran lugar a miles de combinaciones, sino también permitieran participar al espectador.

Queda por aclarar que para elegir la textura, el color o la forma que iba a ir en cada cubo, partimos de cuatro elementos: una fresa, un unicornio, una serpiente y una naranja.

Este fue el resultado final. No fue algo grande, con un buen acabado, sino más bien algo pequeño, mal acabado y curioso cuanto menos.

Pero, ¿Cuál es la función de nuestro invento? ¿Qué intentábamos decir? ¿Por qué?

Queríamos mostrar la importancia de las combinaciones de color, forma y textura para poder identificar aquello que estamos observando.

La obra presentaría en una primera instancia los cubos descolocados, que el público podría mover. En principio, el aparatose podía usarse de dos maneras distintas:

1. Al estar los cubos descolocados, era posible que con la unión de los cuatro elementos dados el espectador no descifrará de qué objeto se trataba y este moviera los cubos en búsqueda de algo reconocible, hasta llegar a inicio, es decir, a los cuatro elementos que pensamos en primera instancia.

2. También es posible jugar a imaginar miles de objetos, frutas, animales… creados a partir de unos pocos elementos. De esta forma, nuestra obra no solo demuestra lo explicado en clase, sino que puede inspirar en un proceso creativo.

Tras terminar nuestra creación pudimos ver las ideas de nuestros compañeros, además de escuchar su porqué. De esta manera acabe fascinado e inspirado, pues hubo ideas fantásticas y originales que merece la pena mostrar:

CLASE Nº 16: Final de examen teórico + 1ª parte de examen práctico

Durante la clase del pasado martes (27 de octubre) empezamos el examen práctico, consistente en:

1.  Formular 5 preguntas cuyas respuestas demuestren conocimientos suficientes sobre la asignatura.

2.  Establecer, a modo de esquema, las bases para corregir las respuestas del punto uno.

3.  Repetir, esta vez en grupos, los puntos anteriores.

El tercer punto quedó sin terminar y hoy lo hemos resuelto definitivamente.

Entonces, tras repartir un folio a cada integrante del grupo, Mª Jesús nos ha planteado el ejercicio práctico:

Crear una composición bidimensional o tridimensional donde se apliquen las herramientas visuales estudiadas en clase (color, forma, textura, composición…). Cada miembro del grupo debía hacer una parte que posteriormente se uniría para originar la obra final. En esta primera clase teníamos que plantear el proyecto mediante bocetos y una maqueta (la cual no llegamos a fabricar debido a alguna discrepancia).

El proyecto se presentó interesante, pues teníamos libertad para dejar fluir nuestras ideas y desarrollar una buena obra. 

Comenzando con ilusión, Sara expuso la primera idea: tratar el proyecto como un puzzle; lo cual sentaría las bases de la consiguiente lluvia de ideas. Pero debido quizás a nuestra inexperiencia, a la velocidad con la que debíamos pensar y seguro que a un cúmulo de factores más, no nos comprendimos bien los unos a los otros, yo por ejemplo encerrado en mi idea (que ahora creo incorrecta) tuve dificultades para comprender otros puntos de vista más acertados.

Sin embargo, pese a que acabamos todos estresados, se puede sacar una conclusión que aunque no es nueva, merece la pena recordarla para así poderla aplicar progresando no solo en los próximos trabajos grupales sino en próximas experiencias sociales:

Escuchar, valorar sin prejuicios, tolerar, no pretender excesiva inmediatez o no encerrarte en ti mismo son valores imprescindibles para conseguir una buena comunicación que permita, de esta manera, construir a partir de diversas ideas un proyecto común y consensuado.