martes, 10 de noviembre de 2015

CLASE Nº 18: La Forma II

Según la RAE:
1. f. Configuración externa de algo.
Además se puede afirmar que la forma es el límite entre el cuerpo y el espacio, aquello que adoptan los cuerpos para ajustarse a sus necesidades y que por lo tanto cambia según las mismas.
Se distinguen dos tipos de formas combinables: las formas curvas y las rectas.
En el libro: Planilandia (Flatland: A Romance of Many Dimensions), escrito por Edwin Abbott Abbott resulta útil para estudiar el concepto de cómo se perciben las formas en sus múltiples dimensiones. A su vez Planilandia ejerce como sátira de la jerarquía social de la época victoriana.
Por otro lado, cualquier objeto es el mismo frente al universo.
En este contexto Mº Jesús nos presenta a Jerónimo Elespe, artista que trabaja sobre reducidos óleos, pintados sobre paneles de aluminio, evocando tanto la pintura clásica como diferentes ramas del modernismo y la pintura contemporánea, en un continuo intercambio de lenguajes y referencias. En ellos representa escenas autobiográficas, paisajes, interiores, retratos y escenas nocturnas abstractas, pintados de la memoria y la imaginación.
The Lag, 2012
Óleo sobre aluminio
40 x 25 cm








Formas básicas, su significado y autores que las trabajan

Algunas de las formas básicas son:
Esfera
Es simétrica por todas sus partes y se forma cuando todas las fuerzas del medio (entorno) ejercen la misma presión (fuerza) sobre el objeto.
Significadoà forma intima que protege y aguarda.
Autor: Pol Bury (1922-2005) pintor y escultor Belga. De entre sus obras destacan sus fuentes hidráulicas realizadas mediante esferas, triángulos, copas… en acero inoxidable..
Sus fuentes muestran orden y provocan desconcierto al mismo tiempo. Emiten inquietud y al tiempo gran serenidad.




Ondasà comunican. Algunos animales se mueven de forma ondulante.
Ángulosà enganchan, agarran y sujetan (concentrando la fuerza en un extremo a modo de ancla).
Hexágonoà son esferas sometidas a presión. Pavimentan.
Fractal, las partes y el todo tienden a parecerse. De significado intimo porque tienden a llenar e espacio de manera continuada, sin interrupción.
Parábola, concentra y aguanta à se utiliza para la creación de puentes.
Héliceàagarra.
Espiral, línea curva que describe varias vueltas alrededor de un punto, alejándose cada vez más de él.
Cuando las formas crecen sin suficiente espacio se repliegan sobre sí mismas creando espirales.
Autor: Martín Chirino, que parte de la espiral como pregunta que se va alargando en la incertidumbre del hombre. Además Chirino fija su atención en los movimientos que realiza la naturaleza, sobre todo los ritmos del viento. Más información: http://www.martinchirino.com/

Otros artistas que han trabajado prestando especial atención a las formas son:
Alfaro (19929-2012) escultor español.

Gordon Matta-Clark, artista y arquitecto estadounidense que exploró diferentes modos de intervención arquitectónica. Se le reconoce principalmente por sus «building cuts» o «cortes de edificios».

Orlan: conocida por su trabajo en el campo del arte corporal (body art). Ella es su propio lienzo. http://www.orlan.eu/

Nicola Constantino, en cuyas obras la estética se relaciona con el conflicto ético que plantea el trabajo. Ej. Ha realizado, ropa, bolsos, etc. con pezones de personas (realizados con silicona). http://www.nicolacostantino.com.ar/

Anna Laura Alaéz, entre cutas obras destacan las recreaciones de partes del cuerpo en hierro. http://analauraalaez.com/wordpress/
CULITO

LENGUITA

Yayoi Kusama (22 de marzo de 1929, 86 años) Ha experimentado alucinaciones y pensamientos severamente obsesivos con tendencias suicidas desde pequeña, que no le dejan existir y contra los que lucha a través de un arte caracterizado por: la psicodelia, los patrones y la repetición (sobre todo de esferas).


Walther de María, quien trabaja con fractales. Ej. Tormentas eléctricas.


Algunos artistas comentados en clase de los cuales me queda pendiente su investigación son: Lucio Fontana, Andy Goldsworthy, Jorge Mayeh y Jahona Vasconcelos.

Finalmente, dibujamos el hueco que dejan las formas. En mi caso la forma de un frasco con pinceles.



jueves, 5 de noviembre de 2015

CLASE Nº 17: 2ª parte EXAMEN práctico

Durante esta clase debíamos terminar el trabajo grupal empezado en la clase anterior.
Esta vez teníamos poco tiempo, y por lo tanto la necesidad de elegir ya un proyecto y ponernos en marcha. Hoy el modo de trabajo fue mucho más fluido, habíamos aprendido.
Partiendo de la idea de un puzzle que uniera color, luz y textura; realizamos tres cubos (cada uno con una herramienta visual expresada en cuatro de sus 6 caras).Luego María añadió un cuarto cubo donde se situarían diversas formas de percibir a través de la vista, el gusto, el olfato o la imaginación; plasmadas con diversas composiciones. Finalmente unimos los cubos mediante un palo de madera, para que estos se pudieran girar y no solo dieran lugar a miles de combinaciones, sino también permitieran participar al espectador.
Queda por aclarar que para elegir la textura, el color o la forma que iba a ir en cada cubo, partimos de cuatro elementos: una fresa, un unicornio, una serpiente y una naranja.
Este fue el resultado final. No fue algo grande, con un buen acabado, sino más bien algo pequeño, mal acabado y curioso cuanto menos.

Pero, ¿Cuál es la función de nuestro invento? ¿Qué intentábamos decir? ¿Por qué?
Queríamos mostrar la importancia de las combinaciones de color, forma y textura para poder identificar aquello que estamos observando.
La obra presentaría en una primera instancia los cubos descolocados, que el público podría mover. En principio, el aparatose podía usarse de dos maneras distintas:
1. Al estar los cubos descolocados, era posible que con la unión de los cuatro elementos dados el espectador no descifrará de qué objeto se trataba y este moviera los cubos en búsqueda de algo reconocible, hasta llegar a inicio, es decir, a los cuatro elementos que pensamos en primera instancia.
2. También es posible jugar a imaginar miles de objetos, frutas, animales… creados a partir de unos pocos elementos. De esta forma, nuestra obra no solo demuestra lo explicado en clase, sino que puede inspirar en un proceso creativo.

Tras terminar nuestra creación pudimos ver las ideas de nuestros compañeros, además de escuchar su porqué. De esta manera acabe fascinado e inspirado, pues hubo ideas fantásticas y originales que merece la pena mostrar:












martes, 3 de noviembre de 2015

CLASE Nº 16: Final de examen teórico + 1ª parte de examen práctico

Durante la clase del pasado martes (27 de octubre) empezamos el examen práctico, consistente en:
1.  Formular 5 preguntas cuyas respuestas demuestren conocimientos suficientes sobre la asignatura.
2.  Establecer, a modo de esquema, las bases para corregir las respuestas del punto uno.
3.  Repetir, esta vez en grupos, los puntos anteriores.
El tercer punto quedó sin terminar y hoy lo hemos resuelto definitivamente.
Entonces, tras repartir un folio a cada integrante del grupo, Mª Jesús nos ha planteado el ejercicio práctico:
Crear una composición bidimensional o tridimensional donde se apliquen las herramientas visuales estudiadas en clase (color, forma, textura, composición…). Cada miembro del grupo debía hacer una parte que posteriormente se uniría para originar la obra final. En esta primera clase teníamos que plantear el proyecto mediante bocetos y una maqueta (la cual no llegamos a fabricar debido a alguna discrepancia).
El proyecto se presentó interesante, pues teníamos libertad para dejar fluir nuestras ideas y desarrollar una buena obra. 
Comenzando con ilusión, Sara expuso la primera idea: tratar el proyecto como un puzzle; lo cual sentaría las bases de la consiguiente lluvia de ideas. Pero debido quizás a nuestra inexperiencia, a la velocidad con la que debíamos pensar y seguro que a un cúmulo de factores más, no nos comprendimos bien los unos a los otros, yo por ejemplo encerrado en mi idea (que ahora creo incorrecta) tuve dificultades para comprender otros puntos de vista más acertados.

Sin embargo, pese a que acabamos todos estresados, se puede sacar una conclusión que aunque no es nueva, merece la pena recordarla para así poderla aplicar progresando no solo en los próximos trabajos grupales sino en próximas experiencias sociales:

Escuchar, valorar sin prejuicios, tolerar, no pretender excesiva inmediatez o no encerrarte en ti mismo son valores imprescindibles para conseguir una buena comunicación que permita, de esta manera, construir a partir de diversas ideas un proyecto común y consensuado.

jueves, 29 de octubre de 2015

CLASE Nº 15: EVALUACIÓN

“Sé muy bien que la evaluación es un tema espinoso. A nadie le gusta evaluar pero todos tenemos opinión sobre la nota que deberíamos tener y sobre la que deberían tener los demás” Mª Jesús Abad Tejerina (http://analisisimagenycolor.blogspot.com.es/search/label/EVALUACION)

La manera de afrontar este espinoso tema, fue mediante una evaluación democrática; que consta de una evaluación por grupos a nuestros compañeros y una “autoevaluación”. Se pretende que tengamos voz en la calificación, eliminado así el reducido porcentaje de subjetividad (aumentado quizás por el contenido artístico evaluable) que tiene el profesor, obteniendo así JUSTICIA.

Hoy ha sido el día de estimar los conocimientos, aptitudes y rendimiento no solo de nuestros compañeros, sino de nosotros mismos. Estas han sido las pautas a seguir:
1- Analizar si el blog tiene todas las entradas, teniendo en cuenta cuanto resta cada entrada no          realizada
2- Valorar calidad de las entradas: original y buena redacción, imágenes, citas...
3- Observar si las entradas se hicieron en fecha
4- A la nota se le suma la nota de las presentaciones públicas.




TRABAJANDO
Sin embargo, ya que estamos de evaluación, querría valorar el ejercicio:
Teóricamente la idea que se plantea es correcta y tiene una finalidad interesante y bien intencionada. Pero en la práctica (como suele pasar) todo se complica; en este caso no creo que se consiguiera el objetivo principal: una evaluación justa.
Debido a la cantidad de compañeros (60 aprox.) fue imposible pararse lo suficiente en cada uno para poder evaluarle correctamente. Por lo tanto, lo que se consiguió fue quizás lo opuesto: una evaluación subjetiva, poco profunda y basada en la apariencia externa del blog y por supuesto de la persona a evaluar. De esta manera en ocasiones fue más importante la estética de plantilla del blog o si este tenía mucho o poco texto, que el propio contenido del mismo, es decir: redacción, originalidad, citas. Lo cual es triste.


Finalmente tomaré, a modo de cierre, otra frase de Mª Jesús que expresa otro de los objetivos de la mañana: “una clase es un laboratorio de prácticas para enfrentarnos a un futuro mejor”, he de decir que como laboratorio la clase fue muy fructuosa. Pues no solo pude conocer mejor a mis compañeros o ver qué es lo que ellos consideran relevante, sino comprender también al docente quien debe corregir motones de trabajos, demasiado grandes, que dificultan no solo la evaluación sino el proceso educativo en conjunto, sistematizando y dificultando las relaciones entre alumno y profesor.

martes, 27 de octubre de 2015

CLASE Nº 14: 2ª parte de las presentaciones del trabajo grupal del color + 1ª parte del examen



La primera parte de la clase consistió en acabar las presentaciones del color.
Expusieron: el Grupo 4 (Naranja) integrado por: Laura, Alexandra, Transi, Marta, Eva, Carmen y Marta; el Grupo 9 (color Oro) integrado por: Fede, Luis Daniel, Verónica, Miriam, Patricia Yolanda y Gema. Y por último presentamos el blanco: Sergio, María, Carolina, Rosa, Carmen, Laura, Gadea, y yo, quienes formábamos el Grupo 8.
Ir a: Trabajo grupal del Color. BLANCO, para más información sobre nuestro trabajo.

Presentación del grupo 9
La segunda parte de la clase estuvo dedicada al primer parcial de la asignatura. He de decir que el examen nos pilló por sorpresa, pues estaba previsto para el martes 3 de noviembre.
Solo dio tiempo a realizar la primera parte de la prueba. Esta consistió en:
1.       Formular 5 preguntas cuyas contestaciones demostraran conocimientos suficientes sobre la asignatura.
2.       Establecer, a modo de esquema, las bases para corregir las respuestas del punto uno.
3.       Formular, esta vez en grupos, otras 5 preguntas cuyas respuestas demostraran conocimientos suficientes de la asignatura.

viernes, 23 de octubre de 2015

Exposición Nº 5: Max Bill






Del 16 de octubre de 2015 hasta el 17 de enero de 2016, puedes encontrar en la fundación Juan March (calle Castelló, 77, Madrid) la primera retrospectiva de Max Bill en España, que cubre todos los aspectos de su polifacética creación: pintura, escultura, arquitectura, diseño industrial de mobiliario, tipografía publicitaria … a través de 170 obras y documentos.

¿Quién es Max Bill?

Max Bill (1908-1994), alumno de la Bauhaus entre 1927 y 1928, recibió clases de maestros como Wassily Kandinsky, Paul Klee u Oskar Schlemmer. En 1951 se convirtió en arquitecto y cofundador de la Escuela Superior de Diseño de Ulm, donde preservó y difundió los conceptos aprendidos en Bauhaus, basados en la máxima: “La forma sigue a la función”.
En su obra destaca la capacidad para alternar técnicas, disciplinas y estilos en pro de sus ideales: la democratización del arte, la búsqueda de belleza temporal (que lo llevaría a crear una estética sin función material, sino espiritual), y el fin en de establecer conexiones entre espacios exteriores e interiores para que fueran funcionales y armónicos para la vida humana.

Mi percepción personal

Es una suerte poder observar la evolución de un artista a través de sus obras, poder observar cómo cambian sus ideales al mismo tiempo que su búsqueda de identidad se va concretando. Las retrospectivas tienen la capacidad de meterte en la mente del artista; en este caso me sentí identificado al observar como disfrutaba probando técnicas y estilos inspirado en otros artistas, para finalmente encontrar su camino. 
Quince variaciones sobre un mismo tema, 1935-38

Otro aspecto a admirar de su obra, es su capacidad para ser resolutivo al crear objetos de gran valor estético y práctico, siendo multifuncionales la mayoría de ellos. Por ejemplo, una práctica mesa cuadrada para cuatro comensales, que puede hacerse circular ampliando el número de los mismos, un reloj que también funciona como temporizador o el emblemático taburete de la escuela de Ulm cuya función se ve ampliada a la de: mesa, cesta, bandeja, estantería …
Mesa redonda-cuadrada, 1950


En la muestra, descubrí el arte concreto (el cual no nace una abstracción de la realidad, sino de los propios medios artísticos) además de juegos visuales; por ejemplo Max Bill utilizó en gran parte de sus pinturas un soporte romboidal, pretendiendo que el espectador acabara la obra, uniendo formas y colores en su imaginación.
Quitar y anadir, 1975

Muchas de las obras de Max Bill se me presentaron como interesantes experimentos de coloridos básicos, pues el autor utiliza los seis colores paradigmáticos para crear oraciones cromáticas dulces (con gamas de afines), dramáticas (con gamas de complementarios), etc.; las cuales me han ofrecido inspiración para el libro del color.
Finalmente, les animo a visitar la exposición y a asistir a la visita guiada gratuita, pues la explicación es dinámica y te permite conocer y dialogar con los demás visitantes.
Horario de visitas guiadas:
Martes y jueves: 11:00, 12:00, 13:00
Miércoles y viernes: 17:00, 18:00, 19:00
Cada 60 minutos
Máximo 25 personas, por orden de llegada

Entrada a la fundación Juan March